Fuksas, Nouvel, Libeskind, Hadid

17 06 2016

 

  • Massimiliano (1944) and Doriana:  Fuksas Studio -Andrea de Federico
  • Jean Nouvel (born 8.12.1945) – David Cuadrillero

  • Daniel Libeskind  1946  Poland -Jose Yela Porta
  • Zaha Hadid (1950- 2016) -Paula Sáez

Entrada relacionada: Arquitectos siglo XX y XXI – Jornada cultural 2016

 





Moneo, Piano, Safdie, Ando, Koolhaas

16 06 2016

 

  • Rafael Moneo (9 May 1937) – Jin Wang Xu

  • Renzo Piano (14 de septiembre de 1937) -David García Letón

  • Moshe Safdie (14 de julio de 1938) – Martín Delgado Blanco

  • Tadao Ando (1941) -Javier Cabero

  • Rem Koolhaas  (17 de noviembre 1944)

Entrada relacionada: Arquitectos siglo XX y XXI – Jornada cultural 2016

 





Gehry, Venturi, Siza, Meier, Foster

15 06 2016

 

  • Frank O. Gehry (b.1929) – Alicia Rey Alonso

    Frank Gehry está considerado como uno de los más destacados representantes de la corriente desconstructivista de Estados Unidos, conocido por su particular estilo de formas semidescompuestas y su idea de que un “edificio, una vez terminado, debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura”.

    Nació en Toronto, Canadá, el 28 de febrero de 1929, pero a los 15 años de edad se mudó a Estados Unidos, obteniendo más tarde la nacionalidad estadounidense. Se graduó en Arquitectura en la Universidad del Sur de California en 1954 y tras realizar el servicio militar, estudió urbanismo y planificación en la Escuela de Diseño de Harvard. A partir de entonces, Gehry comenzó a trabajar en varios estudios de arquitectura hasta el año 1961, cuando se trasladó a Paris para trabajar en el estudio de André Rémondet durante un año. Allí estudió las obras de Le Corbusier, las cuales serían una gran influencia en sus primeros trabajos.

    A su vuelta a California en 1962 Gehry abrió su despacho de arquitectura, el cuál le trajo reconocimiento internacional a lo largo de los años, y es allí donde en 1969 comenzó a desarrollar su primera línea de muebles “Easy Edges”. El mobiliario está hecho de cartón prensado superpuesto en distintas direcciones para poder soportar un gran peso. “Easy Edges” se presentó en el año 1972, y ante su éxito Gehry presentó “Experimental Edges” en el año 1982.

    Paralelamente, en 1972 Frank Gehry finaliza la casa estudio de Ron Davis en Malibú California, en la que se puede apreciar la mezcla de materiales y las composiciones geométricas.

    En el año 1982 diseñó el Museo Aeroespacial de California el cual le dio en 1989 el Premio Pritzker, el máximo reconocimiento mundial de arquitectura, comparable al Premio Nobel. A partir de ese momento, Gehry recibe muchos encargos a lo largo de la década de los 90, tales como la Facultad de Derecho de Loyola (California), el Museo de la Universidad de Minnesota, el Centro Americano (París), Edificio Nationale Nederlanden o casa danzante (Praga), el edificio de Vitra (Basilea) y el Experience Music Project (Seattle).

    Su obra más destacada de la década y probablemente de toda su carrera es el Museo Guggenheim de Bilbao el cual es uno de los mejores ejemplos de la arquitectura vanguardista del siglo pasado. Su construcción se extiende desde el año 1991 hasta el 1997, y en él se utilizaron materiales tales como cristal, acero inoxidable, zinc, o titanio, mezclados con otros no metálicos como la piedra. El diseño de este edificio conllevó que Gehry obtuviese varios premios, como el Premio Internacional de Diseño que le fue concedido por la Sociedad de Ingeniería de Iluminación de Norteamérica o la Medalla de Oro del Royal Institute of British Architects.

    Durante los próximos años su obra incrementa, llegando a inaugurar más de un edificio al año. Los más destacables son el Centro de Artes Escénicas del Bard College, (Nueva York), el Walt Disney Concert Hall (Los Ángeles), el Museo Puente de Vida (Panamá), el Millenium Park, junto con el Pritzker Music Pavilion en su interior (Chicago), El centro Stata del MIT, gran ejemplo de arquitectura deconstructivista (Massachusetts), la fundación Louis Vuitton (París) y el rascacielos New York by Gehry (Nueva York).

    En España, Frank Gehry diseño varios edificios, siguiendo su estilo deconstructivista, como por ejemplo el Hotel Bodega Marqués de Riscal en Álava, o la escultura de El Pez Dorado en el paseo marítimo de Barcelona.

    A lo largo de su carrera, Gehry ha recibido un gran número de galardones, mencionados a continuación: Premio Dorothy and Lillian Gish, National Medal of Arts (AEB), Premio Friedrich Kiesler, Medalla de Oro del AIA, American Institute of Architects (AEB), Medalla de Oro, Royal Institute of British Architects, Gold Medal for Architecture (American Academy of Arts and Letters), Comendador de la Orden de Canadá, Medalla de Plata de Caldes de Malavella y Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

    Actualmente, a sus 87 años, Frank Gehry trabaja en su estudio Gehry Partners, LLP en Los Ángeles, California, y sigue diseñando proyectos, como el Museo Guggenheim de Abu Dabi, el cual está en construcción

    Frank Gehry está considerado como uno de los arquitectos más importantes e influyentes del mundo y uno de los diez maestros de la arquitectura moderna. El arquitecto pasará a la historia por su estilo personal, que incorpora nuevas formas y materiales y es especialmente sensible con su entorno, y por haber diseñado edificios que han cambiado nuestra visión de la arquitectura vanguardista.

  • Robert Venturi (1929) & Denise Scott Brown (1931) – Gonzalo Garrido
     

    Robert Venturi es un importante arquitecto nacido el 25 de junio de 1925 en Filadelfia (Estados Unidos). Estudió la carrera de arquitectura en la prestigiosa universidad de Princeton, la cual se sitúa en Nueva Jersey.

    En cuanto a su experiencia como trabajador, al finalizar la universidad trabajó de becario durante tres años en La Academia Americana en Roma, la cual se encarga de investigar temas artísticos y es considerada una institución artística. A continuación trabajó hasta 1958 en el estudio de un arquitecto estadounidense con origen finlandés llamado Eero Saarinen y otro estadounidense llamado Louis Isadore Kahn. Mientras trabajaba para estos arquitectos fue profesor de arquitectura en otra prestigiosa universidad de Filadelfia.

    Antes de casarse con Denise Scott Brown en 1967y formar un estudio en conjunto llamado “Venturi, Rauch y Scott Brown Asociados” en 1969, trabajó desde 1964 hasta 1969 con John Rauch. Además continuó siendo profesor durante treinta años en varias universidades como Harvard y Yale.

    Recibió un premio muy importante comparable al premio Nobel como es el Pritzker en 1991 y en 2015/2016 la Medalla de Oro del AIA del Instituto Americano de Arquitectura junto a su mujer Denise.

    Denise Scott Brown nació el 31 de octubre de 1931. Es una importante arquitecta postmoderna. Se especificó en planificación urbana y docente en universidades como Berkeley, Yale y Harvard. Está considerada como la arquitecta más famosa de la segunda mitad del siglo XX.

    Estudió en primer lugar en Sudáfrica en la universidad de Witwatersrand durante 4 años la carrera de arquitectura. Allí conoció a su primer Marido llamado Robert Scott Brown, ella adoptó sus apellidos y cuando este murió de un accidente de coche y Denise se volvió a casar no cambió sus apellidos debido a que quería conservar los proyectos que había publicado con el nombre de casada.

    En 1952 viajó a Londres para continuar sus estudios en la Architectural Association School of Architecture donde se graduó en 1955. Posteriormente se casó con su primer marido y estudiaron en el departamento de planificación de la Universidad de Pensilvania. En 1960 concluyó sus estudios de planificación urbana y comenzó a trabajar en la universidad donde conoció a su segundo marido Robert Venturi. Ambos empezaron a colaborar y compartieron lecciones durante dos años, después decidió dejar la universidad y fue nombrada departamento de planificación de la Universidad de Pensilvania.

    En 1969 se unió a la empresa de su marido y fue nombrada directora de planificación. Actualmente es socia del estudio de arquitectura Venturi, Scott Brown y Asociados de Filadelfia que en 2012 tras la jubilación de Venturi se convirtió en VSBA Architects & Planners.

    Recibió en 2015/2016 la Medalla de Oro del AIA del Instituto Americano de Arquitectura junto a su marido Robert Venturi. Y en 2013 le reconocieron el premio Pritzker el cual no se lo dieron junto a su marido en 1991 y debido a varias quejas acabaron reconociéndoselo también.

    Uno de los principales objetivos de Robert y Denise al realizar sus edificios es la intención de hacerlos alegres y acabar con la monotonía dándoles un aspecto de dibujos animados usando elementos en las fachadas, colores… Se consideraban posmodernos y pretendían darle un cambio a la arquitectura haciéndola más compleja.

    Tuvieron influencias de muchos sitios, incluso de ex compañeros de facultad, libros…

    Algunos de sus edificios fueron casas como la Casa Vanna Venturi que fue diseñada para su madre Vanna Venturi, y construida entre los años 1962 -1964. La casa fue vendida en 1973 y sigue siendo una residencia privada. La casa de cinco habitaciones alcanza unos 9 m de altura en la parte superior de la chimenea, pero tiene una fachada monumental, efecto que se consigue mediante la manipulación intencionada de los elementos arquitectónicos que indican la escala de un edificio.

    Otras obras son la Guild House la cual es una residencia de ancianos en Filadelfia, la ampliación del museo National Gallery, casas de vacaciones, Museo de Artess Manufactureras, los Juzgados de Filadelfia…

    Por último, Robert publicó un manifiesto, Complejidad y contradicción en arquitectura en 1966 en el que analiza más de 200 obras arquitectónicas. Ambos publicaron más artículos y algunas obras escritas sobre temas arquitectónicos más amplios.

  • Álvaro Siza (25 de junio de 1933) – Daniel Hurtado

     

    Álvaro Siza Vieira es un arquitecto portugués. Nacido en 1933 en un pueblo pesquero en Portugal, tiene un estilo muy distintivo ya presente en sus primeras obras, el Restaurante Da Boa Nova y las Piscinas en Leça de Palmeira. En ambas obras podemos ver como la obra se adapta al paisaje, usando varios niveles en vez de crear una base. También se define el estilo basado en colores claros y líneas rectas, que será evidente más adelante; el uso de la luz como parte fundamental de la obra, para añadirle volumen; y la preocupación por los habitantes de los edificios.

    Se dedicó principalmente a construir viviendas sociales tras la revolución en Portugal, en las que podemos ver las características típicas de este arquitecto (uso de la luz y colores claros) muy patentes.

    Dio un salto a la fama en los 80, cuando empezó a trabajar en proyectos internacionales y recibió multitud de premios. En la actualidad sigue trabajando en proyectos más variados, como museos o universidades.

  • Richard Meier (1934) – Kasija Bojanic
     MEIER FOTORichard Meier es un artista abstracto y arquitecto estadounidense. Nació en Newark, New Jersey, en 1934. Estudió arquitectura en la universidad Cornell y se graduó en 1957. A comienzos de los años 60, abrió un estudio en Nueva York donde diseñaba hospitales, viviendas, museos y edificios comerciales. Mientras, se dedicaba a dar clases en universidades de prestigio como Yale. En los siguientes años, recibe premios a nivel nacional, como el National Honor Award del Instituto Americano de Arquitectura, y se le reconoce como arquitecto de prestigio internacionalmente.

    Estilo

    Su propósito en sus obras es crear espacios coherentes, comprensibles y funcionales. Muestra racionalidad a través de los diseños y de su forma de pensar y analizar las alternativas que tiene.

    Meier es una de los principales seguidores del movimiento racionalista del siglo XX. Una corriente que surgió a causa de la Primera Guerra Mundial en la cual se centra el interés hacia una nueva estética que rechaza la ornamentación innecesaria en la arquitectura y se caracteriza por mostrar los conceptos de estructura y función. Se usan formas geométricas simples con criterios ortogonales y la concepción dinámica de espacio. Los principios son el uso de bloques sobre pilares, las plantas bajas libres, fachada libre, colores primarios o acromáticos, ventanales alargados y terrazas-jardín. Todo esto se ve reflejado en las obras de Richard. Éstas están principalmente influidas por el arquitecto francés Le Corbusier que impuso los principios mencionados anteriormente.

    Sus edificios tampoco pretenden mostrar elementos orgánicos, más bien intentan complementarse con ella manteniendo su estilo. Para él la arquitectura no es algo natural, sino algo totalmente humano y eso debe manifestarse en ella.

    En las obras de Meier se manifiesta también el predominio del blanco. Esto puede parecer monótono, pero en realidad, los cambios de luz durante el día le dan diferentes matices al blanco y por ello no lo es tanto. Además, Richard defiende que las diferentes luces nos transmiten sensaciones El uso de la luz artificial para darle calidez a los interiores es un buen complemento para evitar que su arquitectura no tenga ese toque frío. Además, Richard defiende que las diferentes luces nos transmiten sensaciones y se ve reflejado en sus obras que hace un buen uso de ellas.

    Obras

    Iglesia del jubileo

    Es su primera construcción hecha en Roma. En esta iglesia, el uso del blanco pretende dar un toque espiritual y divino transmitiendo pureza jugando con las luces que se filtran por los vidrios y claraboyas.

    El proyecto se compone de dos elementos: la iglesia y el centro parroquial, en el cual hay oficinas, un auditorio y un salón de usos múltiples. Ambos edificios se hallan separados por un plano cóncavo y unidos por la mampara de cristal en la fachada del edificio.

    Los elegantes arcos blancos que rodean la iglesia miden de 20 a 30 metros y están hechos de hormigón.

    Museo de Artes Decorativas en Frankfurt

    Después de la Segunda Guerra Mundial, muchas mansiones fueron destruidas por los bombardeos en Frackfurt. Por ello, se mandó reconstruir algunas y entre ellas figura este edificio, que posteriormente se ha convertido en museo.

    En el exterior, observamos que las fachadas exteriores del edificio están hechas de placas de nevera. Los materiales utilizados son el hormigón, acero, estuco y vidrio, hace uso de ellos en muchas de sus construcciones. Gracias al estuco, se le da ese color blanco tan propio de Meier.

    En este edificio se combinan el estilo de Meier y con la estructura de la mansión que había anteriormente.

    Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA)

    Richard también combina dos elementos en este edificio, combina las técnicas de la arquitectura contemporánea con las formas de los edificios contiguos al museo. El edificio también es blanco, pero las luces que internas que se ven por la noche, van cambiando de colores.

    Casa Smith

    Se sitúa en Darien, EEUU. Esta casa está cubierta de madera pintada de blanco, con un toque moderno y minimalista. Es luminosa y acogedora con techos altos y grandes ventanales. La casa contrasta mucho con la naturaleza que la rodea, pero tiene un toque armonioso con ella.

    El Ateneo

    Está en New Harmony, Indiana, EEUU, la construcción está elevada del suelo para evitar que se inunde debido a que está cerca del río Wabash. Los paneles blancos que lo rodean, son de porcelana esmaltada cuadriculada.

    El centro Getty

    Es el proyecto de Meier más famoso con el que se ganó una reputación. Se encuentra en Los Ángeles y ocupa 88 mil metros cuadrados. Este lote tiene elementos clásicos, no por lo estético, sino por la forma en la que se hace uso del espacio público y la organización de los edificios. Meier lo compara con una estructura aristotélica por la manera en la que se relaciona el paisaje y el lugar. Además se asemeja a la Villa de Adriano en Tivoli.

    Este edificio es el único que no es blanco debido a la normativa de la ciudad. Usó un mármol travertino rústico, lo que significó un cambio radical en sus obras ya que la textura no es perfecta, sino áspera.

    El propósito de este edificio es acercarse a las estructuras clásicas y de hecho, la colección del museo son esculturas griegas y romanas.

    Personalmente, Richard Meier me parece un arquitecto admirable y desde luego un claro símbolo de la arquitectura racionalista. Su talento se ve reflejado en sus obras y la forma en la que las realiza muestra su inteligencia. Sin embargo, a mí personalmente me disgusta la arquitectura racionalista. Me parece casi inhumana y demasiado fría y “perfecta”. Además, me gustan los espacios más coloridos, ornamentados y con pequeños descuidos. El minimalismo y la acromía en la arquitectura dan un toque inhabitable a sus casas. Pero la gran luminosidad de ellas sí que me parece un elemento innovador que da armonía a los que las habitan.

  • Norman Foster (b. 1 June 1935) – Mar López Jarén

Norman Foster nació el 1 de Julio de 1935 en Manchester. Estudió en la Universidad de su ciudad natal, donde se sacó el grado en Arquitectura y Urbanismo en 1961. Para finalizar sus estudios, realizó un máster en la Universidad de Yale.

Aunque creció en el Reino Unido, se mudó hasta América en la primera ocasión que tuvo. Nunca estuvo de acuerdo con el conformismo de sus padres, ya que él quería conseguir los sueños y las metas que se había propuesto, mientras que sus padres estaban cómodos con sus humildes trabajos. Fue esta necesidad de tener éxito la que le impulsó a irse a América, ya que consideraba que en Estados Unidos se podía empezar de cero sin tener en cuenta el pasado. Así, en 1967, fundó con su ex mujer, Wendy Cheeseman, Foster Associates en el salón de estar de su casa, con tan solo 15 empleados.

Su carrera profesional empezó a desarrollarse en 1968, cuando trabajó por primera vez con R. Buckminster Fuller. Juntos, hicieron una serie de proyectos entre 1968 y 1983, como el Teatro Samuel Beckett, construido en 1971 en Reino Unido. En 1992, tras divorciarse de su mujer, Foster Associates se dividió, y pasó a ser Sir Norman Foster & Partners. Esto supuso un gran cambio para la empresa, ya que se construyeron sucursales en Berlín, Tokio, Hong Kong, Frankfurt y Nimes. Hoy en día, la empresa de Norman Foster ha recibido 60 premios internacionales y ha ganado 14 concursos de Arquitectura. Algunos de los mayores logros conseguidos han sido la Real Medalla de Oro de Arquitectura en 1983 y el título de Sir (caballero), otorgado por la reina, en 1990.

La mayoría de sus proyectos están construidos por el principio que él ha denominado “High Tech”, el cual se define por el uso de tecnología, de materiales ligeros y componentes industrializados. Estos elementos se repiten multitud de veces en sus proyectos. Foster pretende crear una arquitectura que elimine los componentes formales, y comience a emplear elementos más eficaces, haciendo así edificios marcados por el racionalismo y la organización, el uso de nuevos materiales y el empleo de superficies curvas.

En total, Norman Foster ha trabajado en más de 100 edificios alrededor del mundo. Sin embargo, ha trabajado también en dos proyectos no arquitectónicos: en el diseño de la mesa Nomos para Lürssen Yachts; y en la reconstrucción del coche Dymaxion, en 2010. De todo su repertorio urbanístico, los edificios más conocidos son los siguientes.

El edificio Willis, Faber & Dumas, en Inglaterra, construido entre 1970 y 1975. Es una sede de oficinas, aunque tiene una piscina y un jardín, ya que se quiso crear una mayor sensación de comodidad para los trabajadores. La estructura es ortogonal, y la fachada es una cristalera curvilínea.

El aeropuerto de Pekín, el mayor del mundo, construido entre 2003 y 2008. Se construyó para los Juegos Olímpicos de Pekín. Tiene forma de dragón, ya que se pretendía evocar a formas y colores chinos. Tiene una superficie de 1,3 millones de metros cuadrados en total.

La Torre Hearst en nueva York, construida entre el 2000 y el 2006, fue una reconstrucción de un edificio original de 6 plantas a un rascacielos de 44. Como la base del edificio está envuelta en vidrio, da la sensación de que la torre flota en el aire. Desde el exterior, tiene una estructura triangular que forma una rejilla, la cual evita en un 20% el uso del acero.

La cúpula del Reichstag, fue reconstruida en 1999. Es una estructura formada completamente por cristal, la cual tiene en su interior una escalera, la cual permite llegar hasta el tejado del edificio. Uno de los mayores problemas que hubo con este proyecto fue que, al estar formada por cristal, se creaba en su interior un efecto invernadero. Norman Foster decidió solucionar este problema añadiendo una vela en su interior, la cual gira a la misma velocidad que el sol, así consiguiendo que se bloquee parcialmente la luz del sol.

El Recinto de los Elefantes, en el Zoo de Copenhague, es otra prueba que demuestra que Norman Foster hace todo tipo de proyectos. Se quiso proporcionar a este recinto una buena ventilación, con luz suficiente pero sin crear calor excesivo y que a la vez fuera saludable para los animales y accesible y cómodo para los visitantes. Se llevó a cabo un estudio para descubrir el comportamiento de los animales. Gracias a esto, se decidió crear dos recintos separados, con zonas al aire libre y zonas cubiertas por una cúpula.

En Bilbao, diseñó las bocas de metro. Se llaman los “fosteritos”. Quería dar la sensación de que los pasajeros se estaban adentrando en una gruta, por lo que decidió hacer un diseño curvilíneo, que junto con las escaleras mecánicas, dan sensación de movimiento. Aquí, Norman Foster vuelve a emplear el vidrio, ya que es un material barato y fácil de manejar. No solo diseñó las bocas de metro, el interior de las estaciones también es diseño suyo.

La torre Swiss Re o “30 st Mary axe”, en Londres. Es una de las figuras más emblemáticas del Londres moderno. Tiene 41 plantas, y alberga en su interior desde oficinas a un centro comercial y varias salas de exposiciones en su interior. Se ensancha a medida que asciende y se vuelve a estrechar en el vértice. Foster quería crear un espacio tanto profesional como social. Por eso, en la base, tiene varios parques y zonas de ocio.

La torre Caja Madrid, de 55 plantas. De los cuatro rascacielos, es la más alta. Aquí, vuelve a utilizar en la base del edificio vidrio para dar la sensación de que está suspendido en el aire. La orientación del edificio permite aprovechar al máximo la luz solar, por lo que indirectamente, el edificio ahorra energía.

El Viaducto de Millau, en Francia. Aunque los puentes suelen ser ámbitos de ingenieros, decidió diseñarlo él. Está formado por torres que sujetan al puente mediante cables, lo que hacen que la apariencia sea fina y delicada. Supera a la torre Eiffel en cuanto a la estructura más alta de Francia (75-245 metros de altura dependiendo del tramo). Se inspiró en el ojo de una aguja para diseñar las torres.

El Ayuntamiento de Londres. Se emplearon técnicas similares que las del Reichstag para crear la forma circular. Su forma consigue que la luz solar y la ventilación de las oficinas interiores no consuman mucha energía. Para sostener la estructura, los distintos pisos tienen forma curvada en el interior, creando así un “esqueleto” para el edificio que lo sostiene.

Entrada relacionada: Arquitectos siglo XX y XXI – Jornada cultural 2016

 





Johnson, Niemeyer,Eames, Saarinen, Ming Pei

14 06 2016

 

  • Philip Johnson (1906-2005) – Candela Bonilla
     

Nació el 8 de julio de 1906 en Cleveland, Ohio. Era parte de una familia adinerada. Estudió arquitectura en Harvard aunque antes había estudiado lenguas clásicas. Empezó a dedicarse a otras actividades culturales y artísticas no relacionadas con la arquitectura como crítico, historiador y director del departamento de arquitectura del Museo de Arte Moderno en Nueva York a los 26 años (entre 1932 y 1934). En 1932 colaboró con el historiador Henry Russel Hitchcock en la escritura del libro Johnson International Style, Architecture since 1922. Siempre defendiendo como escritor el trabajo de los principales arquitectos modernos Walter Gropius, Mies Van Der Rohe y le Corbusier, de los cuales tuvo gran influencia. En él introdujo las técnicas de la Bauhaus a América y popularizó el término International Style que empezó a aplicarse a una arquitectura similar a la de la Bauhaus. Este concepto se caracteriza por su ortogonalidad, utilización de superficies lisas y pulidas, sin ornamentación, usando hormigón y con el aspecto de ligereza. Es el resultado de la industrialización, la mecánica, la ingeniería y ciencia de los materiales que estaban revolucionando. Este término de estilo internacional lo comparten las arquitecturas con características más puristas del Movimiento Moderno y proviene de una exposición europea y americana en el MoMA que realizó Philip Johnson con Henry Russell Hitchcock.
Durante el siglo XX Philip Johnson es precursor además del estilo internacional, del deconstructivismo. Éste movimiento nació en 1980 y se caracteriza por la fragmentación, el diseño no lineal, el interés por la manipulación de la superficie de las estructuras y, en apariencia, la geometría euclidiana. El museo Guggenheim es un claro ejemplo construido por Frank Gehry.
Se destacan entre sus obras su casa en New Canaan, Connecticut. Conocida como la Glass House la construyó en 1949 y fue su proyecto de tesis en Harvard. Se basó en la frase de Mies Van Der Rohe: “Less is more”. Fue innovador debido a los materiales utilizando acero pintado de negro y vidrio así como en su conjunto siendo precursora del estilo moderno y como objetivos lograr claridad y simplicidad. Está construida con todas las paredes vidriadas y pasa desapercibida ya que se encuentra rodeada de vegetación, y ésta a su vez actúa como los muros siendo límites naturales El techo es opaco y en el centro de la casa hay un cilindro de tabique rojo el cual distribuye las cargas. El interior tiene un estilo minimalista. Tuvo problemas con la condensación, los cristales se empañaban y pusieron un sistema de ventilación cruzado para que esto no ocurriera. Fue tanto su obra más importante como polémica (aunque en algunos casos también alabada) ya que no se consideraba cómoda para ser habitada aunque Johnson vivió allí desde que fue construida hasta que murió. Hoy en día se utiliza como museo.
En 1958 construyó el rascacielos Seagram en Nueva York en colaboración con Mies van der Rohe. Una moderna torre de oficinas de 38 pisos, la cual es la sede central de Seagram (empresa destilera). Utilizando materiales lujosos con una plaza pavimentada de granito, dos espejos de agua y bancos de mármol.
En 1963 se unió con John Burgee y durante 20 años mantuvieron una asociación llamada Johnson/Burgee Architects donde realizaron muchos proyectos entre ellos Pennzoil Place (Houston Texas) y 550 Madison Avenue.
Esta última primero llamada AT&T Building y después Sony Building es un rascacielos de 37 plantas en Manhattan, (Nueva York) terminado en 1984. Es el primer rascacielos construido según un estilo que él mismo ayudó a imponer, el postmodernismo. Johnson estaba interesado en la exposición estética de los elementos estructurales, lo cual le llevaba a dejar algunas fachadas con el hormigón expuesto como en esta. También se caracteriza por el arco de entrada de siete plantas. Es conocida como una de las primeras provocaciones posmodernistas a gran escala.
Más de sus obras por Estados Unidos fueron, por ejemplo, The Crescent en Dallas con un coste de 400 millones de dólares. En 1955 la catedral de cristal (con 10.000 paneles de vidrio) así como la capilla de St. Basil en Houston con 91 años.
También construyeron en España, en Madrid, la Puerta de Europa o torres KIO. Son dos torres inclinadas de 114m y 15o respecto a la vertical. Esto fue cuando él tenía 92 años terminadas en 1998.
Concluyendo, fue otorgado el premio Pritzker en su primera edición (1979). Es hasta el día de hoy el premio de más prestigio y peso de los galardones otorgados a los arquitectos. Se les entrega a los arquitectos en vida que hayan demostrado su talento como arquitectos lo que respalda la importancia que ha tenido Philip Johnson en la historia de la arquitectura. Murió el 25 de enero de 2005 en New Canaan, Connecticut.

  • Oscar Niemeyer (b. December 15, 1907) -Óscar García
  • Charles & Ray Eames (Charles Ormond Eames, Jr (1907–1978) and Bernice Alexandra “Ray” Eames (1912–1988) – Marcos Martín

La pareja Charles y Ray Eames, formada por dos grandes artistas, influyó mucho en la evolución del arte contemporáneo. Su reconocimiento se debió a la gran labor que desarrollaron en el ámbito de la arquitectura, tanto de exteriores como de interiores, diseñando nuevos espacios y mobiliario; Caracterizados por su originalidad y la utilización de nuevas técnicas y materiales de construcción. La pareja también se trabajó en el mundo del cine y la fotografía con gran interés. Pero antes de llegar a conocerse, convertirse en marido y mujer y trabajar juntos, ambos tuvieron vidas marcadas por sus estudios de arte, el diseño y primeras obras y trabajos.
BIOGRAFÍA:
Charles Ormond Eames nació el 17 de junio de 1907 en la ciudad de San Luis en Misuri, Estados Unidos. Estudió arquitectura en la universidad Washington de la misma ciudad, pero a los dos años la dejó y empezó a trabajar en un pequeño estudio de arquitectura con edificios residenciales. Se casó con Catherine Woermann en 1929, pero a los doce años se divorciaron aunque tuvieron una hija llamada Lucia. En 1930 abre su propio estudio arquitectura, lo que le permitiría mayor libertad de creación y promoción de sus obras. Charles fue influenciado por el arquitecto finlandés Eliel Saarinen y gracias a él tuvo la oportunidad de estudiar en la academia de arte de Cranbrook, Michigan, donde se llegó a convertir en el director del departamento de diseño industrial. Más tarde, llegó a trabajar con el hijo de Eliel y también arquitecto Eero Saarinen con quien empezó exponiendo sus primeros muebles y llegaron a ganar el concurso de diseño orgánico del museo de arte moderno de Nueva York.
Bernice Alexandra Eames, también conocida como Ray Kaiser, nació en Sacramento, California, el 15 de diciembre de 1912. Estudió pintura con el pintor alemán Hans Hoffman en la Universidad Bennet, Nueva York, y en 1937 llegó a exponer parte de su obra en el museo Riverside de Manhattan. Posteriormente se trasladó a la academia de Cranbrook, donde conoció a Charles Eames y colaboró por primera vez con él ayudándole en la preparación de sus diseños para el concurso de diseño orgánico de nueva York. Se convirtió en diseñadora industrial y cineasta, profundizó bastante en el estudio de la fotografía y tenía muy buen gusto con la naturaleza. Finalmente en 1941 contrajo matrimonio con Charles Eames, y desde ese momento trabajarían juntos.
OBRA ARQUITECTÓNICA:
Gran parte de sus obras se han llegado a convertir en iconos de la arquitectura y del diseño del siglo XX, llegando a influenciar significativamente en el siglo XXI. En el ámbito de la arquitectura cabe destacar su propia casa, conocida como la casa Eames construida en 1949 en un acantilado con vistas al Océano Pacífico (Los Ángeles, California). Dentro de que la estructura, en general, pueda parecer simple y rápida de construir, su periodo de construcción se dilató bastante. Se utilizaron placas de acero prefabricado y piezas de vidrio, sobre las cuales se aplicaron colores vivos, principalmente los colores primarios amarillo, azul y rojo. Este diseño se basaría en las composiciones del pintor francés Piet Mondrian. A la estructura del edificio se le sumaban los elementos de la naturaleza y mobiliario artificial que había sido seleccionado cuidadosamente por la pareja, para que el resultado fuera recrear un
ambiente japonés. Algunos de estos ejemplos serían los eucaliptos, muy característicos de esta cultura, cerca de las paredes, dando sombra a ciertos espacios de la casa. Se crea así un claro contraste con los colores más oscuros de la fachada del inmueble.
Lo que la pareja buscaba era la comodidad y funcionalidad para ellos y su trabajo. El buen gusto de la naturaleza por parte de Ray, influenció mucho en el diseño final, intentando crear un ambiente que combinara la vida de casados, el trabajo y la naturaleza, enlazados entre sí. El resultado final fue un espacio en el cual todos aquellos elementos convivían creando una perfecta armonía en el ambiente.
Esta casa se ha llegado a considerar patrimonio histórico de los Estados Unidos y el mejor ejemplo de arquitectura moderna. El resto de residenciales de la pareja Eames guardarían las mismas características, como sería su utilidad, pero físicamente podrían o no tener relación. Varios ejemplos a citar serían: la casa Dean, la casa Meyer o la casa Dinsmoor, las cuales estaban totalmente hechas de ladrillo, o la casa Puente, creada con la ayuda de Saarinen, basada en el uso del vidrio. Como caso aparte encontraríamos el diseño de unas iglesias como era la St Mary´s Catholic Church en Arkansas.
DISEÑOS DE MUEBLES:
Charles y Ray diseñaron numerosos muebles que se han llegado a convertir en iconos del hogar, principalmente sillas. En su momento fueron toda una revolución y no solo en su diseño, sino también en las técnicas de creación y presentación final del producto, más la comodidad que pretendían transmitir al que las probaba.
Charles empezó con la idea de que todo es arquitectura. A partir de esa idea todo lo que fue creando recogió las características que un arquitecto podría tener al diseñar un edificio. Por ejemplo, un armario siguiendo la estética de Mondrian, una percha o incluso una silla.
Para la creación de las sillas, desarrolló una nueva técnica que le permitiría modelar la madera a su gusto, que también se puede considerar una evolución de las técnicas de este mismo tipo que usó a su vez el arquitecto finlandés Alvar Aalto. Por parte de Charles, él las llegó a desarrollar en su totalidad debido a un encargo de la marina estadounidense, donde tuvo que diseñar unas férulas de madera en los años 40. Posteriormente llevó a cabo el diseño de gran número de sillas, que no se llegaron a producir de forma masiva hasta principios del siglo XXI.
Como ejemplos de sillas diseñadas por la pareja Eames encontramos: la organic conference, organic highback y organic chair, con las que ganó el concurso del diseño orgánico del Moma en Nueva York. En 1945 nace el elephant Chair, que al estar hecho de madera, pesaba demasiado para sus destinatarios, los niños. Un año después nace una de las sillas que ha pasado a la historia y se ha llegado a considerar uno de los mejores inventos y diseños del siglo XX por su simpleza y ligereza del diseño, la silla plywood. La silla chaise chair es una de las más espectaculares debido a su forma e inspiración en una escultura de Gaston Lachaise. A continuación encontraríamos la Shell Chair de una sola pieza, la cual, junto con la silla armchair, podríamos encontrar variantes en color, material e incluso diseño de las
patas que la soportan como la posibilidad de que algunas roten, pero siguiendo el modelo original. Para terminar las últimas obras que encontraríamos sería la silla Otomana de 1956, formada por tres piezas de madera cubiertas de cuero y relleno de plumas, más un complemento adicional para apoyar los pies, lo que la ha llegado a considerar de las más cómodas jamás creadas.
Todas las sillas mencionadas hoy en día se pueden encontrar hechas de plástico, aunque su diseño original era de madera, y las técnicas de manejo de la madera ya mencionadas es lo que ha dado la posibilidad de crearlas.
CINE:
Para terminar, Charles y Ray también llegaron a rodar películas propias. Sus vidas como diseñadores se complementaban con sus aficiones al cine y fotografía. En el caso de Charles, incluso se llegó a considerar un auténtico director de cine. Realizaron un gran número de películas, aunque todas recogían una finalidad, un resultado muy parecido, el enseñar algo o permitir llegar a comprender algo. Entre su filmografía se encuentra “Mathematica: Un Mundo de Números”, de 1961, “Potencias de Diez”, de 1968, o “Imagen de la Ciudad” de 1969, como las películas más destacadas.
Charles Eames murió el 21 de agosto de 1978 en su ciudad natal, y su mujer diez años después en 1988.

  • Eero Saarinen (1910-1961) – Gabriel Collado
  • Ieoh Ming Pei – I.M. Pei (born 4.26.1917) -Yanyan Huang

 





Sullivan, Le Corbusier, Rietveld, Mies y Aalto

13 06 2016

 

  • Louis Sullivan (3 September 1856 – 14 April 1924) – Martín Gadea

Louis Sullivan nació el 3 de septiembre de 1856 en Boston y murió el 14 de abril de 1924, es considerado el primer arquitecto americano moderno y es por ello, que se le conoce como el “padre del modernismo” y el “padre de los rascacielos”. A diferencia de otros arquitectos que se dedicaron a imitar estilos históricos, Louis se dedicó a innovar con nuevos estilos estéticos. Los estilos arquitectónicos mas viejos fueron diseñados para edificios amplios y bajos, sin embargo, el consiguió crear una unidad estética para edificios altos.

Sullivan creyó que el exterior de un edificio de oficinas debería reflejar su estructura interior y sus funciones interiores. “La forma sigue a la función” .El ornamento debería ser sacado de la Naturaleza, rechazando referencias clásicas y los arcos ubicuos.

Louis Sullivan estudió en Cambridge, y tras terminar sus estudios se fue a París a la escuela de bellas artes. A su vuelta, en 1875, se fue a Chicago, donde trabajó como dibujante para el ingeniero Fredrik Baumann, en ese tiempo se dedicó a trabajar en puentes y viaductos para la reconstrucción de la ciudad tras el incendio de 1871.

En 1879 entró a formar parte del gabinete de proyectos de Dankmar Adler, del cual se convertiría en socio en 1881. Juntos construyeron más de cien edificios, Adler encargándose del trato con los clientes y de los problemas de estructuras y acústica y Sullivan solamente del diseño arquitectónico. Ya por esas fechas se le consideraba uno de los arquitectos mas relevantes de la escuela de Chicago. La escuela de Chicago era un estilo arquitectónico que surgió en Chicago, se caracteriza por la introducción de nuevos materiales y técnicas para la construcción de grandes edificios comerciales y los primeros rascacielos.

La necesidad y demanda de crear tantos edificios tras el incendio, dio pie al surgimiento de la escuela, y debido a la especulación de los terrenos, las soluciones arquitectónicas que supusieran la construcción en vertical fueron las mas apropiadas: muchos pisos elevados sobre una planta reducida. Pilares de hormigón como soporte o cimiento, estructuras metálicas revestidas según la función del edificio, ventanas corridas que ocupaban la mayor parte de las fachadas (lo que más adelante se llamará “muro cortina”) y la eliminación de los muros de carga son algunos de los rasgos de este estilo arquitectónico. Dejaron de realizarse edificios con muros de piedra de gran grosor, en beneficio de atractivas fachadas de mampostería que suprimen los elementos decorativos.

Ya trabajando con Adler tuvo como alumno a Frank Lloyd Wright, que por aquel entonces contaba con diecinueve años y había entrado en 1887 en el estudio de Adler como diseñador. Frank Lloyd Wright se convertiría en uno de los arquitectos americanos mas famosos, y siempre consideró que Louis Sullivan fue su maestro.

Uno de los primeros trabajos en equipo de Adler y Sullivan fue el Auditórium de Chicago (1886-1889), un enorme edificio que incorporaba hotel, oficinas y el teatro propiamente dicho, cuya extraordinaria acústica lo convirtió en una obra modélica. Este edificio predestinado para el teatro y la ópera es considerada laprimera gran obra de Sullivan. A l contrario que otros protorrascacielos que consideraban la fachada como un elemento de simple cerramiento externo, para Sullivan cobra vitalidad propia, estableciéndose la gradación y densificación de macizos y huecos, como en los palacios del Quattrocento de Florencia. Los primeros pisos son de granito, mientras que los altos son de arenisca, todos enlazados con una serie de curvatura de arcos.

En 1881 concluyeron otro de los edificios que pertenecerían a los mas relevantes de su carrera, es otra construcción de diez plantas, el Wainwright Building en Missouri, St. Louis. Este edificio es mayormente conocido por ser uno de los primeros rascacielos de Estados Unidos y del mundo. Esta construido en ladrillo rojo y se usa el acero como elemento estructural, utiliza ornamentos del estilo de la “Escuela de Chicago”. Todos estos rasgos vuelven a este edificio a ser un monumento nacional americano.

En 1896 concluyo en Buffalo el Guaranty Building, un bloque de oficinas y locales comerciales. Esta fue la última gran obra en colaboración de Adler antes de separarse en 1895. Esta obra es de la mas características de la Escuela de Chicago, está realizado con una estructura de acero, y con el este material y la invención del ascensor hicieron posible que se desarrollara una gran altura. Los muros exteriores se cerraron con piezas de terracota, que permitían una exuberante decoración de motivos moldeados en arcilla; a parte de ser mas estéticos, también era mas económico que la piedra. Para Sullivan el rascacielos es un organismo vivo, que debe comportarse de manera natural en la selva intrincada que es la ciudad contemporánea. Es por ellos que muchos especialista consideran esta la mejor obra de Louis Sullivan, tratando de defender esta teoría.

Nada más separarse de su socio habiéndose dado a la bebida, Sullivan se quedó 25 años haciendo pequeñas estructuras y centrándose en la reflexión teórica sobre la propia experimentación arquitectónica. Hizo esto hasta que construyó su obra maestra en solitario, el almacén de Carson Pirie Scott (en un principio Schlesinger-Meyer), uno de los mejores ejemplos arquitectónicos de la escuela de Chicago. Este edificio es la última intervención de Sullivan en Chicago. Sorprende el despliegue decorativo en un arquitecto conocido por la famosa frase “la forma sigue a la función”. La estructura y la ornamentación aparecen escindidas. Solo el entresuelo y la primera planta están revestidos de ornamentación naturalista, hojas de acanto lobuladas y espinosas y bandas espirales de hierro fundido. En el resto se encuentra su típico tratamiento geométrico de fachada con revestimiento de planchas lisas y las ventanas horizontales, recibía el nombre de fachada modulada. Un interior amplio y la disposición de una fachadas abiertas contribuyen a hacer ese interior aún más espacioso, aportándole luz natural.

Ya al final de la primera década del siglo XX, Sullivan entró en una época de descenso, y sus proyectos pasaron a ser únicamente de centros comerciales y bancos. De estas construcciones, destacan dos bancos que siguen vigentes a día de hoy, el National Farmers Security Bank de Owatonna (Minnesota, 1908) y el Peoples Savings Bank de Cedar Rapids (Iowa, 1911), ambos pertenecían a una colección llamada “Jewel Box”, joyeros.

El National Farmers Security Bank es una de las mejores obras de Sullivan en su estado de madurez, especialmente una de sus mejores bancos en pequeñas ciudades pradera. El edificio está revestido de arenisca roja, con paredes de ladrillo rojo, la ornamentación se concentra en los paneles de terracota de bronce de color verde con intrincados escudos de hierro fundido en las esquinas. Actualmente sigue en pie como monumento nacional y como edificio de oficinas comerciales. Los elementos decorativos llevaban también la firma de George Elmslie, quien fue su ayudante recomendado por Wright y estuvo 20 años con Sullivan trabajando para el como ayudante y diseñador. También participó en otras obras anteriores, sin embargo, donde mas aportó fue en sus últimas obras.

El Peoples Savings Bank fue rechazado en un principio por ser demasiado caro, pero al año siguiente Sullivan con un nuevo diseño mas apropiado llegó a un acuerdo con los jefes. El revestimiento del edificio consta de ladrillos de 15 colores diferentes, produciendo como dijo Sullivan : “El efecto de una alfombra oriental antigua”. El interior constaba de paredes de vidrio. Este banco fue el ultimo trabajo de George Elmslie como asistente de Sullivan, y este fue el ultimo trabajo representativo de Sullivan.

  • Le Corbusier (1887-1965) – Celia Martínez

    Le Corbusier es el nombre profesional de Charles Edouard Jeanneret, un arquitecto, pintor y teórico francés con origen suizo. Nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds, Suiza, donde estudió artes y oficios. Con sus escritos se ganó una fama polemista, aportando ideas que hicieron a sus obras influir en la arquitectura posterior, considerándole uno de los grandes renovadores de la arquitectura moderna. Con tan solo 17 años y formación artesanal, construyó su primera casa, Villa Fallet. Esta era una casa unifamiliar para uno de los miembros de la Escuela de Arte donde estudiaba.

    Después aprendió con los mejores de la época. Se movió a París, donde trabajó en el estudio de Auguste Perret. Más tarde a Alemania, para estudiar las tendencias arquitectónicas del país. Y allí trabajó con Peter Behrens. En 1911 decidió dedicarse a viajar para seguir aprendiendo sobre arquitectura. Visitó Viena, Rumanía, Turquía, Grecia e Italia. Tras su vuelta, trabajó como profesor en la Escuela de Arte de París.

    En 1919 se asoció a Amédée Ozenfant, como pintor, para formar el movimiento purista, corriente derivada del cubismo. Un año después, fundaron la revista L’Esprit Nouveau, el espíritu nuevo. En la revista publicó artículos contra algunos estilos de la Escuela de Bellas artes. También sobre diferentes teorías arquitectónicas. En 1921, publicó un artículo sobre un concepto nuevo de vivienda, en el que la casa se entiende como una máquina para vivir. En este nuevo concepto, sale beneficiada la eficacia y lo práctico en vez de la estética. Para Charles Edouard Jeanneret había que actualizar la arquitectura a la civilización industrial, y la definió como el juego correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz. Para esto, era necesaria la utilización de nuevos materiales como, el hormigón armado, el vidrio plano en grandes dimensiones y otros productos artificiales.

    En 1922 se asoció a su primo Pierre Jeanneret en Paris y adoptó su pseudónimo Le Corbusier para la arquitectura. El pseudónimo está adaptado del apellido de su bisabuela Lecorbésier.

    Aunque durante la década de 1920 solo pudiese construir un número reducido de villas unifamiliares en los alrededores de París, Le Corbusier diseñó muchos proyectos urbanísticos y residenciales en ese período de tiempo. Todos estos proyectos le sirvieron para organizar sus cinco puntos sobre la nueva arquitectura: utilización de pilotis, que consiste en bloques elevados sobre pilares, tejados planos con jardín, ventanales longitudinales, libre confortación de las plantas y fachada libre e independiente a la estructura del edificio. Todo esto debería usarse con un orden geométrico estricto con el fin de generar volúmenes puros creando una síntesis entre la naturaleza y el desarrollo tecnológico.

    De esta época, de la década de 1920, destacan el Pabellón del Esprit Nouveau en Paris (1925), la villa Savoye en Poissy (1929-1931), la villa Stein de Monzie en Garches (1927) y el palacio de los Soviets en Moscú (1928). Entre sus obras posteriores destacan la Casa de Suiza de la ciudad universitaria en Paris (1931-1932), la Unidad de Habitación en Marsella (1947-1952), la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut en Ronchamp, Francia (1959-1954) y el diseño urbano de Chandigarh, una ciudad construida en la India que se construyó como nueva capital del Punjab. Para esta ciudad Le Corbusier fue el creador de los edificios de la Asamblea (1953-1961), el Palacio de Justicia (1952-1956) y el Secretariado (1958).

    Le Corbusier falleció el 27 de Agosto de 1965 en Cap Martin, Francia.

    Ahora os voy a hablar de algunas de tres de sus obras, como he dicho anteriormente. Una de ellas es Villa Savoya. Villa Savoya es una de las obras de arquitectura que transformó la concepción de la arquitectura en el siglo XX. En esta vivienda unifamiliar, Le Corbusier plasma totalmente su idea de los 5 puntos de la arquitectura moderna. El edificio esta sostenido sobre pilotis, que permiten la libertad espacial dejando la planta libre. La fachada es libre y tienes ventanas longitudinales horizontales, en lugar de verticales como las antiguas estructuras. La cubierta es plana y tiene un jardín.

    Está construida en Poissy a las afueras de París y su construcción fue finalizada en 1929. La Villa Savoya contiene un recorrido en el cual se va descubriendo la casa poco a poco. Para empezar, el acceso a la finca es en coche hasta la zona de aparcamiento. Para entrar a la vivienda, atravesamos un eje del frente semicircular de vidrio donde nos encontramos con un hall. En el hall encontramos una rampa y una escalera de caracol. Al fondo de esta planta encontramos los dormitorios del servicio de la casa. Subiendo la rampa encontramos la primera planta con una distribución el L que separa los dormitorios de parte pública de la casa. En esta parte pública hay una sala al aire libre y donde termina la rampa encontramos la cubierta con jardín desde la que hay unas fantásticas vistas. Durante todo este recorrido también tenemos vistas del entorno natural, gracias a los ventanales de la vivienda. Hoy en día es una casa-museo.

    Otra obra de la que os voy a hablar es la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut situada en la colina de Boulémont, en Ronchamp, Francia. En 1950 encargaron a Le Corbusier una capilla que sustituyese al centro de peregrinación de Notre Dame du Haut destruido en la Segunda Guerra Mundial. Aunque parece más una escultura moderna que un templo, su diseño fue aceptado por la iglesia.

    La idea principal era construir un templo en el que los materiales mostrasen toda su pureza, con espacios libres y donde la sonoridad fuese protagonista. El contraste de color entre los muros y el tejado hace que el edificio adquiera espiritualidad. El arquitecto tardó cinco años en construir este encargo.

    La capilla se puede ver desde lejos, gracias a la torre situada al sur de ella. En el interior las ventanas se achaflanan por las que durante el día entra la luz dejando un efecto de iglesia barroca. El suelo es de hormigón y desciende hacia el comulgatorio imitando el hundimiento de la cubierta. Este hundimiento sirve para indicar el camino hacia la zona principal de la capilla.

    El muro que está junto a las escaleras que suben a la galería del coro está pintado en color púrpura y de blanco en los chaflanes de los huecos de las ventanas para que la luz se refleje sobre las torres. El edificio tiene tres torres a las que las da el sol a diferentes horas del día y dan luz a los altares del interior.

    Y la tercera y última obra de la que os voy a hablar es la Unidad de Habitación de Marsella. Su construcción comenzó en 1951 y terminó 5 años después en vez de en un año según estaba previsto, por motivos económicos. Fue el primer encargo del estado francés a Le Corbusier, desde el Ministerio de la Renovación y Planificación urbana.

    Con este proyecto Le Corbusier hace una oposición a la manía de las casas unifamiliares como él decía. Y además ha causado una gran influencia en el desarrollo de conjuntos habitacionales en todo el mundo en los años posteriores.

    El edificio puede albergar a 1600 personas en su construcción de 140 metros de largo, 24 metros de ancho y 56 metros de altura. Cada piso contiene 58 apartamentos a los que se accede desde pasillos internos a los que Le Corbusier denomina calles del aire. A media altura, existe una zona comercial, salas de actos, un restaurante, un hotel, una lavandería y otros servicios. Una cosa que llama mucho la atención de este edificio es la azotea. Por su pista de atletismo de 300 metros, su gimnasio cubierto, sus espacios de reuniones, su guardería y su enfermería. Todo este conjunto está sostenido sobre pilares, como es característico de Le Corbusier, y permite tener todo el suelo libre para jardines y zonas de ocio. Los materiales utilizados para esta obra son hormigón armado y vidrio mayoritariamente.

    Para finalizar os voy a contar por qué he elegido estas tres obras para comentarlas. La primera, Villa Saboya, porque es un claro ejemplo de los cinco puntos de la nueva arquitectura según Le Corbusier. La segunda, la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut, porque me gustó mucho cuando la vi y además era una de sus obras más importantes. Y la tercera, la Unidad de Habitación de Marsella, porque a Le Corbusier le gustaban muchos los rascacielos y tenía diseñados bastantes aunque no pudo construir ninguno y este era uno de sus proyectos más conocidos de lo más parecido a un rascacielos.

  • Gerrit Thomas Rietveld (1888-1964) – Alberto Jiménez
  • Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) -Dylan Enquist
  • Alvar Aalto (1898-1976)

Entrada relacionada: Arquitectos siglo XX y XXI – Jornada cultural 2016





Labrouste, Paxton, Gaudí, Wright y Gropius

10 06 2016

Las presentaciones fueron preparadas para durar diez minutos, pero finalmente la exposición se tuvo que acortar a 3-4 minutos para poder ver todos los arquitectos y plantear el taller. De algunos arquitectos tengo la información sobre la que hablaron los alumnos y que por lo tanto también pondré.

 

  • Joseph Paxton ( 3 de agosto de 1803 – 8 de junio de 1865) – Sheng Zhu

 

  • Antoni Gaudí i Cornet (25 de junio de 1852-10 de junio de 1926) – Carmen Cifuentes

Antonio Gaudí i Cornet nació en Cataluña en 1852 en una familia humilde de caldereros. Era un niño enfermo, por lo que asistía poco a clase y pasaba largas temporadas en el campo. De ahí captó la luz mediterránea y las imágenes de la naturaleza. También ayudó a su padre en el taller de calderería y ahí aprendió la transformación de superficies en volumen.

En su adolescencia pareció mostrar interés por el arte plástico ya que hizo varias veces los decorados del colegio. Al acabar bachillerato en 1869 decidió estudiar arquitectura, ya que así podría de dedicarse al arte. Para ganar dinero y pagarse la carrera trabajó como delineante para Josep Fontserè i Mestre. En 1872 no consiguió entrar en la Escuela de Arquitectura y se fue a Francia a ver catedrales. Al año siguiente volvió a fracasar intentando entrar en la Escuela de Arquitectura. Se puso a trabajar para la Cooperativa Obrera Mataronense, adquiriendo preocupación por el problema obrero, y diseñó su primera bandera. Se hizo inseparable del poeta Bartrina y este le formó en un gusto literario exquisito. En 1874 por fin entró en la Escuela y gracias a esto consiguió hacer su servicio militar en el cuerpo administrativo del Ejército, sin moverse de la ciudad. En 1875 hizo sus primeras obras en la Ciutadella colaborando con Fontserè en la cascada. Entonces inauguró la terraza de dicho parque. En 1877 aprobó raspado el último curso y el director Elies Kogent dijo “Hoy hemos hecho a un arquitecto que será un loco o un genio”. Ese mismo año hizo algunos trabajos para Juan Martorell y acabó siendo su ayudante y este su maestro. En 1878 gracias a Martorell consiguió su primer encargo oficial (Modelo de candelabro de luz de gas) antes de tener el título de arquitecto. El Ayuntamiento de Mataró firmó para que pudiese hacer su primera casa con proyecto y diseñó los planes del Casino de la Cooperativa, pero nunca llegó a construirse.

Gracias a que un guantero le encargó el diseño de su escaparate, Eusebi Güell i Bacigalupi se fijó en él. Se convirtió en su mejor amigo y principal cliente más adelante: Finca Güell, Casa Güell, bodegas Güell, chalet Catllarás, Park Güell, iglesia de colonia Güell.

En 1883 fue encargado continuar la Sagrada Familia, a lo que dedicó el resto de su vida. Tuvo muchas amistades clericales que intensificaron su religiosidad, y casi muere haciendo la Cuaresma en 1884. Pero mientras hacía otros trabajos como El Capricho, Casa Vicens, Casa Calvet, Casa Batlló, Bellesguard y La Pedrera. En 1906 se trasladó a vivir a Park Güell. Su última voluntad era morir en el hospital de beneficencia cristiana, pero fue atropellado por un tranvía en junio de 1926 y al ir vestido sencillamente no fue reconocido como Antonio Gaudí y fue trasladado al Hospital de la Santa Creu. Murió tres días después, rodeado de sus amigos, y fue enterrado en la cripta de la Sagrada Familia.

LA SAGRADA FAMILIA “UNA NAVE PARA EL HOMBRE”

Estaba planeada para ser construida en 10 años, pero fue imposible por problemas de tiempo y financiación.

Gaudí dijo “Yo he venido a tomar la arquitectura en el punto donde la dejó el estilo Bizantino”. Por lo que extrajo formas de la naturaleza: paraboloides hiperbólicos, hiperboloides, helicoides de doble giro, etc. Quería que fuese un espacio de serenidad, armonía y grandeza, para conversar con un Dios humanizado accesible. Su templo tendría “la gracia helénica, equilibrada de fondo y forma, de tamaño y situación divinamente humana y humanamente gloriosa”. Con 69 años, Gaudí vio a Vidal i Barraquer bendecir la primera piedra de la catedral.

  • Frank Lloyd Wright (1867-1959) -Javier de Torres
  • Walter Gropius (1883-1969) – Christian Hernández

Entrada relacionada: Arquitectos siglo XX y XXI – Jornada cultural 2016





Arquitectos siglo XIX y XX – Jornada Cultural 2016

9 06 2016

Este año el departamento de Dibujo nos hemos planteado las asignaturas de Dibujo Técnico con un pequeño “giro”. Con la LOMCE, evaluar con otros instrumentos… hemos intentado hacer otro tipo de trabajos relacionados con el arte.

Yo creo que ya se ha visto por las entradas de Navidades fractales, la visita a la expo de Alvar Aalto y Suelos cosmatescos. Un trabajo al trimestre donde se pueda “utilizar” el dibujo técnico como una herramienta relacionada con la expresión y el arte.

Para finalizar el curso se han elegido arquitectos del siglo XIX y XX sobre los que los alumnos de 1º y 2º de bachillerato de la asignatura han preparado presentaciones. Ellos mismos los han presentado en la jornada cultural del centro y luego se ha planteado un taller donde trabajar lo visto. El taller y propuesta de arquitectos ha sido coordinado por mi compañera Marta de Gonzalo Arenillas. La verdad es que es un placer trabajar con ella.

 

Los arquitectos propuestos son:

  1. Henri Labrouste (1801-1875)
  2. Joseph Paxton ( 3 de agosto de 1803 – 8 de junio de 1865) – Sheng Zhu
  3. Charles Rennie Mackintosh (1868-1928)
  4. Antoni Gaudí i Cornet (25 de junio de 1852-10 de junio de 1926) – Carmen Cifuentes
  5. Frank Lloyd Wright (1867-1959) -Javier de Torres
  6. Walter Gropius (1883-1969) – Christian Hernández
  7. Louis Sullivan (3 September 1856 – 14 April 1924) – Martín Gadea
  8. Le Corbusier (1887-1965) – Celia Martínez
  9. Gerrit Thomas Rietveld (1888-1964) – Alberto Jiménez
  10. Ludwig Mies van der Rohe (born 3.27.1886) -Dylan Enquist
  11. Alvar Aalto (1898-1976)
  12. Philip Johnson (born 7.8.1906) – Candela Bonilla
  13. Oscar Niemeyer (b. December 15, 1907) -Óscar García
  14. Charles & Ray Eames (Charles Ormond Eames, Jr (1907–1978) and Bernice Alexandra “Ray” Eames (1912–1988) – Marcos Martín
  15. Eero Saarinen (1910-1961) – Gabriel Collado
  16. Ieoh Ming Pei – I.M. Pei (born 4.26.1917) -Yanyan Huang
  17. Frank O. Gehry (b.1929) – Alicia Rey Alonso
  18. Robert Venturi (1929) & Denise Scott Brown (1931) – Gonzalo Garrido
  19. Álvaro Siza (born 25 June 1933) – Daniel Hurtado
  20. Richard Meier (1934) – Kasija Bojanic
  21. Norman Foster (b. 1 June 1935) – Mar López Jarén
  22. Rafael Moneo (9 May 1937) – Jin Wang Xu
  23. Renzo Piano (born 9.14.1937) -David García Letón
  24. Moshe Safdie (born 7.14.1938) – Martín Delgado
  25. Tadao Ando (1941) -Javier Cabero
  26. Rem Koolhaas  (b. 17 November 1944)
  27. Massimiliano (1944) and Doriana:  Fuksas Studio -Andrea de Federico
  28. Jean Nouvel (born 8.12.1945) – David Cuadrillero
  29. Daniel Libeskind  1946  Poland -Jose Yela Porta
  30. Zaha Hadid (1950- 2016) -Paula Sáez







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