Sullivan, Le Corbusier, Rietveld, Mies y Aalto

13 06 2016

 

  • Louis Sullivan (3 September 1856 – 14 April 1924) – Martín Gadea

Louis Sullivan nació el 3 de septiembre de 1856 en Boston y murió el 14 de abril de 1924, es considerado el primer arquitecto americano moderno y es por ello, que se le conoce como el “padre del modernismo” y el “padre de los rascacielos”. A diferencia de otros arquitectos que se dedicaron a imitar estilos históricos, Louis se dedicó a innovar con nuevos estilos estéticos. Los estilos arquitectónicos mas viejos fueron diseñados para edificios amplios y bajos, sin embargo, el consiguió crear una unidad estética para edificios altos.

Sullivan creyó que el exterior de un edificio de oficinas debería reflejar su estructura interior y sus funciones interiores. “La forma sigue a la función” .El ornamento debería ser sacado de la Naturaleza, rechazando referencias clásicas y los arcos ubicuos.

Louis Sullivan estudió en Cambridge, y tras terminar sus estudios se fue a París a la escuela de bellas artes. A su vuelta, en 1875, se fue a Chicago, donde trabajó como dibujante para el ingeniero Fredrik Baumann, en ese tiempo se dedicó a trabajar en puentes y viaductos para la reconstrucción de la ciudad tras el incendio de 1871.

En 1879 entró a formar parte del gabinete de proyectos de Dankmar Adler, del cual se convertiría en socio en 1881. Juntos construyeron más de cien edificios, Adler encargándose del trato con los clientes y de los problemas de estructuras y acústica y Sullivan solamente del diseño arquitectónico. Ya por esas fechas se le consideraba uno de los arquitectos mas relevantes de la escuela de Chicago. La escuela de Chicago era un estilo arquitectónico que surgió en Chicago, se caracteriza por la introducción de nuevos materiales y técnicas para la construcción de grandes edificios comerciales y los primeros rascacielos.

La necesidad y demanda de crear tantos edificios tras el incendio, dio pie al surgimiento de la escuela, y debido a la especulación de los terrenos, las soluciones arquitectónicas que supusieran la construcción en vertical fueron las mas apropiadas: muchos pisos elevados sobre una planta reducida. Pilares de hormigón como soporte o cimiento, estructuras metálicas revestidas según la función del edificio, ventanas corridas que ocupaban la mayor parte de las fachadas (lo que más adelante se llamará “muro cortina”) y la eliminación de los muros de carga son algunos de los rasgos de este estilo arquitectónico. Dejaron de realizarse edificios con muros de piedra de gran grosor, en beneficio de atractivas fachadas de mampostería que suprimen los elementos decorativos.

Ya trabajando con Adler tuvo como alumno a Frank Lloyd Wright, que por aquel entonces contaba con diecinueve años y había entrado en 1887 en el estudio de Adler como diseñador. Frank Lloyd Wright se convertiría en uno de los arquitectos americanos mas famosos, y siempre consideró que Louis Sullivan fue su maestro.

Uno de los primeros trabajos en equipo de Adler y Sullivan fue el Auditórium de Chicago (1886-1889), un enorme edificio que incorporaba hotel, oficinas y el teatro propiamente dicho, cuya extraordinaria acústica lo convirtió en una obra modélica. Este edificio predestinado para el teatro y la ópera es considerada laprimera gran obra de Sullivan. A l contrario que otros protorrascacielos que consideraban la fachada como un elemento de simple cerramiento externo, para Sullivan cobra vitalidad propia, estableciéndose la gradación y densificación de macizos y huecos, como en los palacios del Quattrocento de Florencia. Los primeros pisos son de granito, mientras que los altos son de arenisca, todos enlazados con una serie de curvatura de arcos.

En 1881 concluyeron otro de los edificios que pertenecerían a los mas relevantes de su carrera, es otra construcción de diez plantas, el Wainwright Building en Missouri, St. Louis. Este edificio es mayormente conocido por ser uno de los primeros rascacielos de Estados Unidos y del mundo. Esta construido en ladrillo rojo y se usa el acero como elemento estructural, utiliza ornamentos del estilo de la “Escuela de Chicago”. Todos estos rasgos vuelven a este edificio a ser un monumento nacional americano.

En 1896 concluyo en Buffalo el Guaranty Building, un bloque de oficinas y locales comerciales. Esta fue la última gran obra en colaboración de Adler antes de separarse en 1895. Esta obra es de la mas características de la Escuela de Chicago, está realizado con una estructura de acero, y con el este material y la invención del ascensor hicieron posible que se desarrollara una gran altura. Los muros exteriores se cerraron con piezas de terracota, que permitían una exuberante decoración de motivos moldeados en arcilla; a parte de ser mas estéticos, también era mas económico que la piedra. Para Sullivan el rascacielos es un organismo vivo, que debe comportarse de manera natural en la selva intrincada que es la ciudad contemporánea. Es por ellos que muchos especialista consideran esta la mejor obra de Louis Sullivan, tratando de defender esta teoría.

Nada más separarse de su socio habiéndose dado a la bebida, Sullivan se quedó 25 años haciendo pequeñas estructuras y centrándose en la reflexión teórica sobre la propia experimentación arquitectónica. Hizo esto hasta que construyó su obra maestra en solitario, el almacén de Carson Pirie Scott (en un principio Schlesinger-Meyer), uno de los mejores ejemplos arquitectónicos de la escuela de Chicago. Este edificio es la última intervención de Sullivan en Chicago. Sorprende el despliegue decorativo en un arquitecto conocido por la famosa frase “la forma sigue a la función”. La estructura y la ornamentación aparecen escindidas. Solo el entresuelo y la primera planta están revestidos de ornamentación naturalista, hojas de acanto lobuladas y espinosas y bandas espirales de hierro fundido. En el resto se encuentra su típico tratamiento geométrico de fachada con revestimiento de planchas lisas y las ventanas horizontales, recibía el nombre de fachada modulada. Un interior amplio y la disposición de una fachadas abiertas contribuyen a hacer ese interior aún más espacioso, aportándole luz natural.

Ya al final de la primera década del siglo XX, Sullivan entró en una época de descenso, y sus proyectos pasaron a ser únicamente de centros comerciales y bancos. De estas construcciones, destacan dos bancos que siguen vigentes a día de hoy, el National Farmers Security Bank de Owatonna (Minnesota, 1908) y el Peoples Savings Bank de Cedar Rapids (Iowa, 1911), ambos pertenecían a una colección llamada “Jewel Box”, joyeros.

El National Farmers Security Bank es una de las mejores obras de Sullivan en su estado de madurez, especialmente una de sus mejores bancos en pequeñas ciudades pradera. El edificio está revestido de arenisca roja, con paredes de ladrillo rojo, la ornamentación se concentra en los paneles de terracota de bronce de color verde con intrincados escudos de hierro fundido en las esquinas. Actualmente sigue en pie como monumento nacional y como edificio de oficinas comerciales. Los elementos decorativos llevaban también la firma de George Elmslie, quien fue su ayudante recomendado por Wright y estuvo 20 años con Sullivan trabajando para el como ayudante y diseñador. También participó en otras obras anteriores, sin embargo, donde mas aportó fue en sus últimas obras.

El Peoples Savings Bank fue rechazado en un principio por ser demasiado caro, pero al año siguiente Sullivan con un nuevo diseño mas apropiado llegó a un acuerdo con los jefes. El revestimiento del edificio consta de ladrillos de 15 colores diferentes, produciendo como dijo Sullivan : “El efecto de una alfombra oriental antigua”. El interior constaba de paredes de vidrio. Este banco fue el ultimo trabajo de George Elmslie como asistente de Sullivan, y este fue el ultimo trabajo representativo de Sullivan.

  • Le Corbusier (1887-1965) – Celia Martínez

    Le Corbusier es el nombre profesional de Charles Edouard Jeanneret, un arquitecto, pintor y teórico francés con origen suizo. Nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds, Suiza, donde estudió artes y oficios. Con sus escritos se ganó una fama polemista, aportando ideas que hicieron a sus obras influir en la arquitectura posterior, considerándole uno de los grandes renovadores de la arquitectura moderna. Con tan solo 17 años y formación artesanal, construyó su primera casa, Villa Fallet. Esta era una casa unifamiliar para uno de los miembros de la Escuela de Arte donde estudiaba.

    Después aprendió con los mejores de la época. Se movió a París, donde trabajó en el estudio de Auguste Perret. Más tarde a Alemania, para estudiar las tendencias arquitectónicas del país. Y allí trabajó con Peter Behrens. En 1911 decidió dedicarse a viajar para seguir aprendiendo sobre arquitectura. Visitó Viena, Rumanía, Turquía, Grecia e Italia. Tras su vuelta, trabajó como profesor en la Escuela de Arte de París.

    En 1919 se asoció a Amédée Ozenfant, como pintor, para formar el movimiento purista, corriente derivada del cubismo. Un año después, fundaron la revista L’Esprit Nouveau, el espíritu nuevo. En la revista publicó artículos contra algunos estilos de la Escuela de Bellas artes. También sobre diferentes teorías arquitectónicas. En 1921, publicó un artículo sobre un concepto nuevo de vivienda, en el que la casa se entiende como una máquina para vivir. En este nuevo concepto, sale beneficiada la eficacia y lo práctico en vez de la estética. Para Charles Edouard Jeanneret había que actualizar la arquitectura a la civilización industrial, y la definió como el juego correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz. Para esto, era necesaria la utilización de nuevos materiales como, el hormigón armado, el vidrio plano en grandes dimensiones y otros productos artificiales.

    En 1922 se asoció a su primo Pierre Jeanneret en Paris y adoptó su pseudónimo Le Corbusier para la arquitectura. El pseudónimo está adaptado del apellido de su bisabuela Lecorbésier.

    Aunque durante la década de 1920 solo pudiese construir un número reducido de villas unifamiliares en los alrededores de París, Le Corbusier diseñó muchos proyectos urbanísticos y residenciales en ese período de tiempo. Todos estos proyectos le sirvieron para organizar sus cinco puntos sobre la nueva arquitectura: utilización de pilotis, que consiste en bloques elevados sobre pilares, tejados planos con jardín, ventanales longitudinales, libre confortación de las plantas y fachada libre e independiente a la estructura del edificio. Todo esto debería usarse con un orden geométrico estricto con el fin de generar volúmenes puros creando una síntesis entre la naturaleza y el desarrollo tecnológico.

    De esta época, de la década de 1920, destacan el Pabellón del Esprit Nouveau en Paris (1925), la villa Savoye en Poissy (1929-1931), la villa Stein de Monzie en Garches (1927) y el palacio de los Soviets en Moscú (1928). Entre sus obras posteriores destacan la Casa de Suiza de la ciudad universitaria en Paris (1931-1932), la Unidad de Habitación en Marsella (1947-1952), la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut en Ronchamp, Francia (1959-1954) y el diseño urbano de Chandigarh, una ciudad construida en la India que se construyó como nueva capital del Punjab. Para esta ciudad Le Corbusier fue el creador de los edificios de la Asamblea (1953-1961), el Palacio de Justicia (1952-1956) y el Secretariado (1958).

    Le Corbusier falleció el 27 de Agosto de 1965 en Cap Martin, Francia.

    Ahora os voy a hablar de algunas de tres de sus obras, como he dicho anteriormente. Una de ellas es Villa Savoya. Villa Savoya es una de las obras de arquitectura que transformó la concepción de la arquitectura en el siglo XX. En esta vivienda unifamiliar, Le Corbusier plasma totalmente su idea de los 5 puntos de la arquitectura moderna. El edificio esta sostenido sobre pilotis, que permiten la libertad espacial dejando la planta libre. La fachada es libre y tienes ventanas longitudinales horizontales, en lugar de verticales como las antiguas estructuras. La cubierta es plana y tiene un jardín.

    Está construida en Poissy a las afueras de París y su construcción fue finalizada en 1929. La Villa Savoya contiene un recorrido en el cual se va descubriendo la casa poco a poco. Para empezar, el acceso a la finca es en coche hasta la zona de aparcamiento. Para entrar a la vivienda, atravesamos un eje del frente semicircular de vidrio donde nos encontramos con un hall. En el hall encontramos una rampa y una escalera de caracol. Al fondo de esta planta encontramos los dormitorios del servicio de la casa. Subiendo la rampa encontramos la primera planta con una distribución el L que separa los dormitorios de parte pública de la casa. En esta parte pública hay una sala al aire libre y donde termina la rampa encontramos la cubierta con jardín desde la que hay unas fantásticas vistas. Durante todo este recorrido también tenemos vistas del entorno natural, gracias a los ventanales de la vivienda. Hoy en día es una casa-museo.

    Otra obra de la que os voy a hablar es la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut situada en la colina de Boulémont, en Ronchamp, Francia. En 1950 encargaron a Le Corbusier una capilla que sustituyese al centro de peregrinación de Notre Dame du Haut destruido en la Segunda Guerra Mundial. Aunque parece más una escultura moderna que un templo, su diseño fue aceptado por la iglesia.

    La idea principal era construir un templo en el que los materiales mostrasen toda su pureza, con espacios libres y donde la sonoridad fuese protagonista. El contraste de color entre los muros y el tejado hace que el edificio adquiera espiritualidad. El arquitecto tardó cinco años en construir este encargo.

    La capilla se puede ver desde lejos, gracias a la torre situada al sur de ella. En el interior las ventanas se achaflanan por las que durante el día entra la luz dejando un efecto de iglesia barroca. El suelo es de hormigón y desciende hacia el comulgatorio imitando el hundimiento de la cubierta. Este hundimiento sirve para indicar el camino hacia la zona principal de la capilla.

    El muro que está junto a las escaleras que suben a la galería del coro está pintado en color púrpura y de blanco en los chaflanes de los huecos de las ventanas para que la luz se refleje sobre las torres. El edificio tiene tres torres a las que las da el sol a diferentes horas del día y dan luz a los altares del interior.

    Y la tercera y última obra de la que os voy a hablar es la Unidad de Habitación de Marsella. Su construcción comenzó en 1951 y terminó 5 años después en vez de en un año según estaba previsto, por motivos económicos. Fue el primer encargo del estado francés a Le Corbusier, desde el Ministerio de la Renovación y Planificación urbana.

    Con este proyecto Le Corbusier hace una oposición a la manía de las casas unifamiliares como él decía. Y además ha causado una gran influencia en el desarrollo de conjuntos habitacionales en todo el mundo en los años posteriores.

    El edificio puede albergar a 1600 personas en su construcción de 140 metros de largo, 24 metros de ancho y 56 metros de altura. Cada piso contiene 58 apartamentos a los que se accede desde pasillos internos a los que Le Corbusier denomina calles del aire. A media altura, existe una zona comercial, salas de actos, un restaurante, un hotel, una lavandería y otros servicios. Una cosa que llama mucho la atención de este edificio es la azotea. Por su pista de atletismo de 300 metros, su gimnasio cubierto, sus espacios de reuniones, su guardería y su enfermería. Todo este conjunto está sostenido sobre pilares, como es característico de Le Corbusier, y permite tener todo el suelo libre para jardines y zonas de ocio. Los materiales utilizados para esta obra son hormigón armado y vidrio mayoritariamente.

    Para finalizar os voy a contar por qué he elegido estas tres obras para comentarlas. La primera, Villa Saboya, porque es un claro ejemplo de los cinco puntos de la nueva arquitectura según Le Corbusier. La segunda, la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut, porque me gustó mucho cuando la vi y además era una de sus obras más importantes. Y la tercera, la Unidad de Habitación de Marsella, porque a Le Corbusier le gustaban muchos los rascacielos y tenía diseñados bastantes aunque no pudo construir ninguno y este era uno de sus proyectos más conocidos de lo más parecido a un rascacielos.

  • Gerrit Thomas Rietveld (1888-1964) – Alberto Jiménez
  • Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) -Dylan Enquist
  • Alvar Aalto (1898-1976)

Entrada relacionada: Arquitectos siglo XX y XXI – Jornada cultural 2016

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Labrouste, Paxton, Gaudí, Wright y Gropius

10 06 2016

Las presentaciones fueron preparadas para durar diez minutos, pero finalmente la exposición se tuvo que acortar a 3-4 minutos para poder ver todos los arquitectos y plantear el taller. De algunos arquitectos tengo la información sobre la que hablaron los alumnos y que por lo tanto también pondré.

 

  • Joseph Paxton ( 3 de agosto de 1803 – 8 de junio de 1865) – Sheng Zhu

 

  • Antoni Gaudí i Cornet (25 de junio de 1852-10 de junio de 1926) – Carmen Cifuentes

Antonio Gaudí i Cornet nació en Cataluña en 1852 en una familia humilde de caldereros. Era un niño enfermo, por lo que asistía poco a clase y pasaba largas temporadas en el campo. De ahí captó la luz mediterránea y las imágenes de la naturaleza. También ayudó a su padre en el taller de calderería y ahí aprendió la transformación de superficies en volumen.

En su adolescencia pareció mostrar interés por el arte plástico ya que hizo varias veces los decorados del colegio. Al acabar bachillerato en 1869 decidió estudiar arquitectura, ya que así podría de dedicarse al arte. Para ganar dinero y pagarse la carrera trabajó como delineante para Josep Fontserè i Mestre. En 1872 no consiguió entrar en la Escuela de Arquitectura y se fue a Francia a ver catedrales. Al año siguiente volvió a fracasar intentando entrar en la Escuela de Arquitectura. Se puso a trabajar para la Cooperativa Obrera Mataronense, adquiriendo preocupación por el problema obrero, y diseñó su primera bandera. Se hizo inseparable del poeta Bartrina y este le formó en un gusto literario exquisito. En 1874 por fin entró en la Escuela y gracias a esto consiguió hacer su servicio militar en el cuerpo administrativo del Ejército, sin moverse de la ciudad. En 1875 hizo sus primeras obras en la Ciutadella colaborando con Fontserè en la cascada. Entonces inauguró la terraza de dicho parque. En 1877 aprobó raspado el último curso y el director Elies Kogent dijo “Hoy hemos hecho a un arquitecto que será un loco o un genio”. Ese mismo año hizo algunos trabajos para Juan Martorell y acabó siendo su ayudante y este su maestro. En 1878 gracias a Martorell consiguió su primer encargo oficial (Modelo de candelabro de luz de gas) antes de tener el título de arquitecto. El Ayuntamiento de Mataró firmó para que pudiese hacer su primera casa con proyecto y diseñó los planes del Casino de la Cooperativa, pero nunca llegó a construirse.

Gracias a que un guantero le encargó el diseño de su escaparate, Eusebi Güell i Bacigalupi se fijó en él. Se convirtió en su mejor amigo y principal cliente más adelante: Finca Güell, Casa Güell, bodegas Güell, chalet Catllarás, Park Güell, iglesia de colonia Güell.

En 1883 fue encargado continuar la Sagrada Familia, a lo que dedicó el resto de su vida. Tuvo muchas amistades clericales que intensificaron su religiosidad, y casi muere haciendo la Cuaresma en 1884. Pero mientras hacía otros trabajos como El Capricho, Casa Vicens, Casa Calvet, Casa Batlló, Bellesguard y La Pedrera. En 1906 se trasladó a vivir a Park Güell. Su última voluntad era morir en el hospital de beneficencia cristiana, pero fue atropellado por un tranvía en junio de 1926 y al ir vestido sencillamente no fue reconocido como Antonio Gaudí y fue trasladado al Hospital de la Santa Creu. Murió tres días después, rodeado de sus amigos, y fue enterrado en la cripta de la Sagrada Familia.

LA SAGRADA FAMILIA “UNA NAVE PARA EL HOMBRE”

Estaba planeada para ser construida en 10 años, pero fue imposible por problemas de tiempo y financiación.

Gaudí dijo “Yo he venido a tomar la arquitectura en el punto donde la dejó el estilo Bizantino”. Por lo que extrajo formas de la naturaleza: paraboloides hiperbólicos, hiperboloides, helicoides de doble giro, etc. Quería que fuese un espacio de serenidad, armonía y grandeza, para conversar con un Dios humanizado accesible. Su templo tendría “la gracia helénica, equilibrada de fondo y forma, de tamaño y situación divinamente humana y humanamente gloriosa”. Con 69 años, Gaudí vio a Vidal i Barraquer bendecir la primera piedra de la catedral.

  • Frank Lloyd Wright (1867-1959) -Javier de Torres
  • Walter Gropius (1883-1969) – Christian Hernández

Entrada relacionada: Arquitectos siglo XX y XXI – Jornada cultural 2016





Arquitectos siglo XIX y XX – Jornada Cultural 2016

9 06 2016

Este año el departamento de Dibujo nos hemos planteado las asignaturas de Dibujo Técnico con un pequeño “giro”. Con la LOMCE, evaluar con otros instrumentos… hemos intentado hacer otro tipo de trabajos relacionados con el arte.

Yo creo que ya se ha visto por las entradas de Navidades fractales, la visita a la expo de Alvar Aalto y Suelos cosmatescos. Un trabajo al trimestre donde se pueda “utilizar” el dibujo técnico como una herramienta relacionada con la expresión y el arte.

Para finalizar el curso se han elegido arquitectos del siglo XIX y XX sobre los que los alumnos de 1º y 2º de bachillerato de la asignatura han preparado presentaciones. Ellos mismos los han presentado en la jornada cultural del centro y luego se ha planteado un taller donde trabajar lo visto. El taller y propuesta de arquitectos ha sido coordinado por mi compañera Marta de Gonzalo Arenillas. La verdad es que es un placer trabajar con ella.

 

Los arquitectos propuestos son:

  1. Henri Labrouste (1801-1875)
  2. Joseph Paxton ( 3 de agosto de 1803 – 8 de junio de 1865) – Sheng Zhu
  3. Charles Rennie Mackintosh (1868-1928)
  4. Antoni Gaudí i Cornet (25 de junio de 1852-10 de junio de 1926) – Carmen Cifuentes
  5. Frank Lloyd Wright (1867-1959) -Javier de Torres
  6. Walter Gropius (1883-1969) – Christian Hernández
  7. Louis Sullivan (3 September 1856 – 14 April 1924) – Martín Gadea
  8. Le Corbusier (1887-1965) – Celia Martínez
  9. Gerrit Thomas Rietveld (1888-1964) – Alberto Jiménez
  10. Ludwig Mies van der Rohe (born 3.27.1886) -Dylan Enquist
  11. Alvar Aalto (1898-1976)
  12. Philip Johnson (born 7.8.1906) – Candela Bonilla
  13. Oscar Niemeyer (b. December 15, 1907) -Óscar García
  14. Charles & Ray Eames (Charles Ormond Eames, Jr (1907–1978) and Bernice Alexandra “Ray” Eames (1912–1988) – Marcos Martín
  15. Eero Saarinen (1910-1961) – Gabriel Collado
  16. Ieoh Ming Pei – I.M. Pei (born 4.26.1917) -Yanyan Huang
  17. Frank O. Gehry (b.1929) – Alicia Rey Alonso
  18. Robert Venturi (1929) & Denise Scott Brown (1931) – Gonzalo Garrido
  19. Álvaro Siza (born 25 June 1933) – Daniel Hurtado
  20. Richard Meier (1934) – Kasija Bojanic
  21. Norman Foster (b. 1 June 1935) – Mar López Jarén
  22. Rafael Moneo (9 May 1937) – Jin Wang Xu
  23. Renzo Piano (born 9.14.1937) -David García Letón
  24. Moshe Safdie (born 7.14.1938) – Martín Delgado
  25. Tadao Ando (1941) -Javier Cabero
  26. Rem Koolhaas  (b. 17 November 1944)
  27. Massimiliano (1944) and Doriana:  Fuksas Studio -Andrea de Federico
  28. Jean Nouvel (born 8.12.1945) – David Cuadrillero
  29. Daniel Libeskind  1946  Poland -Jose Yela Porta
  30. Zaha Hadid (1950- 2016) -Paula Sáez




“Ser uno más” de Álvaro Fraile

6 06 2016





Resultados de los suelos cosmatescos

29 01 2016

Vamos a ver los proyectos realizados por los alumnos con sus suelos cosmatescos. En mi opinión han trabajado muy bien y han tenido muy buenas ideas y resultados. Yo creo que ya mismo les están llamando de los museos italianos para contratar sus ideas.

En sus presentaciones explicaron las dificultades con las que se han encontrado:

  • Inventarse las medidas proporcionadas de las fotos para hacer un dibujo técnico
  • Intuir las formas circulares o cuadradas muchas veces deformadas por el objetivo de la cámara, lo cual les impedía medir sobre el papel
  • Material con el que realizar el souvenir
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Suelo 1

Alberto rápidamente vio las tangencias en su boceto y ha realizado un dibujo técnico impecable.

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Para el souvenir ha mezclado la geometría con la gastronomía, trabajando con chocolate. Mediante una plantilla reprodujo el rosetón central de su suelo, enfrentándose a la dificultad del calor del material.alberto5

Jin decía que le había costado ver la relación entre unas circunferencias y otras con las que tenían que enlazarse.

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Para su souvenir ha hecho un reloj (dejando sin hora el salón de su casa unos días…).

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Suelo 2

Marcos Delgado ha diseñado una peonza, a la cual le ha dado brillo con laca. Se puede ver en parte la veta de la madera y sé que ha sido dificultoso el realizar formas geométricas en superficies curvas.

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Marcos Martín ha trabajado mucho y muy bien. Pone mucho cariño y dedicación en todo lo que hace y al ver su proyecto me ha parecido muy profesional.

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Su trabajo final: maravilloso.

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Para el souvenir ha diseñado un cinturón. Ha estado investigando, y al parecer hay una faja italiana que antiguamente tenía esa forma. Todo lo ha hecho con material reciclado que tenía por casa.

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Suelo 3

Mar tuvo dificultad a la hora de las circunferencias concéntricas que enlazaban y contó una de más. El resultado ha sido un rediseño del suelo, algo distinto del original, pero bien trazado. El colgante ha quedado muy vistoso.

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Suelo 4

Candela ha elaborado un dibujo técnico muy riguroso.

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Para su souvenir estuvo pensando en un  espejo, pero finalmente se decantó por un marco de fotos. Lo ha elaborado con foam.

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Gabriel ha optado por un marcapáginas donde había un pequeño guiño al suelo…

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Suelo 5

Martín y Christian han hecho el souvenir en grupo, un atrapasueños.

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Sus dibujos técnicos se “complementarían” porque Martín, con algo más de escala podría haber hecho un estudio mejor del interior de mosaico.

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Christian, por otra parte, tendría que haber dividido de forma más regular las circunferencias y haber hecho simetría radial. Como “dibujo progresivo con evolución interior” es muy interesante, pero como dibujo técnico no es del todo correcto.

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Suelo 6

David ha fabricado unas plantillas para algunas partes de su suelo que tenían enlaces de arcos de circunferencia a tamaño pequeño. Una muy buena idea. Eso sí, no se nos puede olvidar que hay que mantener la simetría radial de esos elementos en la circunferencia.

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El broche que ideó tiene una forma original. Lo único es que la imagen que puso en cada parte necesitaba más resolución. Lo mejor: elaborar tu propio dibujo, darle color, escanearlo y manipular a la escala que necesites.

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Kasija tenía la idea de una caja de música con bailarina imantada.

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Suelo 7

Gonzalo ha trabajado en una máscara. El resultado ha sido muy original y vistoso.

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Este es el dibujo técnico de Celia.

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Para el souvenir desarrolló una pulsera de abalorios y tela. La idea de tomar un fragmento del suelo para darle forma al objeto es muy buena.

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san giovanni

Suelo 8

Daniel se ha ayudado del programa bender para decidir los radios de su suelo. Haciéndolo previamente en él y luego a mano.

Sobre su souvenir no puedo contar mucho porque está pensando en registrarlo. Ha salido como el souvenir favorito en la clase. No puedo dar muchas pistas, pero por su cuenta, mediante tutoriales ha aprendido a manejar ciertos programas, lo ha relacionado con aplicaciones de móvil… Puedo adelantar esta imagen de un fragmento de su suelo que podríamos utilizar por ejemplo como posavasos, pero el tema tiene mucha más miga… Idea ingeniosa y bien desarrollada. ¡Bravo!

daniel4

Alejandro ha hecho un dibujo técnico magnífico. Nos quedamos con las ganas de que hubiera seguido con el mosaico interior algo más de lo bien que le quedó.

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Para el souvenir tenía varias ideas. Finalmente se decantó por un imán, pero se queda algo pobre la elaboración al lado de su otro ejercicio.

san giovanni2

Suelo 9

Carmen ha hecho un dibujo técnico muy bueno. Tenía muchos detalles y los ha elaborado muy bien. Por ponerle un “pero”, me quedo con las ganas de verlo a una escala algo mayor para disfrutarlo más.

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De souvenir unos pendientes. Los finales serían de cristal de murano. ¿Dónde podemos comprarlos? ¡Yo quiero unos!

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Alicia ha estudiado el suelo en profundidad.

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Como souvenir un colgante. Ha tomado como referencia uno de los rosetones fractales. Lo ha ampliado, dado color, escaneado y ajustado a la escla conveniente. ¡Muy bien!

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Enlace relacionado: Suelos cosmatescos: tangencias y souvenirs.

 





Descubrir tu talento lo cambia todo

14 01 2016

Este año no vamos a participar en el 32º concurso de Once como en cursos anteriores. No obstante, me parece interesante el tema planteado y cómo lo explican en la presentación que facilitan.

Trata el tema de las inteligencias múltiples y de como dice Ken Robinson, cómo descubrir tu elemento. Elsa Punset explica cómo hacer el tablero de tus sueños y proyectar así tu energía en hacerlos realidad y desarrollarte como persona. Todos tenemos algún talento, ¿cuál es el tuyo? Si aún no lo sabes, aquí lo puedes descubrir:

descubrir talento





Visita al Reina Sofía

12 01 2016

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El pasado 21 de diciembre, el departamento de Filosofía planificó una salida para trabajar el tema de la Estética. Eligió ir al museo Reina Sofía y realizar distintos itinerarios:

África me invitó a ir con ellos porque mi grupo de Dibujo Técnico iba también. Así que aprovechamos la visita para estudiar el edificio. Es la segunda visita que realizamos a un edificio “reutilizado” y ampliado (la anterior fue al CaixaForum).

El museo actualmente consta de:

  • El edificio Sabatini (inaugurado en 1992) es el más antiguo del museo, anteriormente Hospital General de Madrid. Es un edificio neoclásico del siglo XVIII diseñado inicialmente por José de Hermosilla y continuado posteriormente por Francesco Sabatini, arquitecto italiano.
  • El edificio Jean Nouvel (inaugurado en 2005) a cargo del arquitecto Jean Nouvel.

 

  • Dos sedes expositivas en el Parque del Retiro: el Palacio de Cristal y el Palacio de Velázquez, ambos construidos por el arquitecto español Ricardo Velázquez Bosco. En ellas hay exposiciones temporales o presentaciones especiales de artistas u obras de la colección del museo.

Los alumnos me han ido mandando sus opiniones acerca del edificio y su ampliación, centrándose en lo que más y en lo que menos les gustaba. A continuación algunas de ellas.

Mar López: La antigua entrada es la parte que más me gusta del museo. Aunque los ascensores que se han incorporado al edificio inicial no están en sintonía con la fachada en sí, me parece elegante y atractiva. Además, el ágora en esta zona es amplio a diferencia de la del CaixaForum.

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Otra cosa que también me ha gustado ha sido la terraza. Aunque te da la sensación de que estas a la deriva, ya que todo lo que cierra la terraza es de cristal, hace un juego de luz-sombra muy atractivo. Los edificios que están rodeando al museo son muy distintos, así que a medida que vas paseando por la terraza, puedes observar las diferentes caras de la ciudad.

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Foto de Marcos Martín

La parte que menos me ha gustado probablemente ha sido la nueva entrada. Aun sabiendo que el Reina Sofía es un museo de arte contemporáneo, donde se rompe con los cánones de belleza del arte antiguo, la fachada me ha parecido demasiado moderna, dando la sensación de que deja un espacio en el medio sin uso alguno. No me parece que se haya logrado del todo encajar el edificio original con las nuevas instalaciones, ya que uno y otro no tienen nada en común, y tan solo se ha añadido un ala al antiguo hospital, sin realmente detenerse a escoger factores que hagan la unión más natural y menos notable. El color granate me parece demasiado llamativo, y a diferencia de la otra entrada, es más difícil para acceder. Aun así, me parece curioso, ya que el arte contemporáneo no pretende crear belleza, si no hacer que el espectador sienta distintas emociones al ver las obras de arte. Y, al fin y al cabo, todo edificio es una obra de arte.

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Marcos Delgado y Alicia coinciden en sus opiniones. Lo que más les gustó fue la biblioteca porque les pareció muy moderna, muy tranquila y sobretodo resguardada del exterior. A ella le recuerda a la de Alvar Aalto de Viipuri, creando una atmósfera de estudio óptima; las cristaleras con rejilla bloquean el ruido exterior y evitan distracciones.

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Sin embargo lo que menos les gustó fue el contraste entre la parte moderna del museo y la parte antigua, parecía como si fuesen museos diferentes en vez de la extensión de uno solo. Les gusta más  por separado que como unidad.

A Marcos Martín le gustó el contraste que había entre el antiguo edificio y la nueva instalación con el techo que cubría todo ello. El color y el material reflectante le resultaron muy atractivos, así como los espacios que dejaba dando paso a la luz natural dando la sensación de que estuviera flotando.

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Foto de Marcos Martín

Lo que menos fueron los paneles de las paredes que parecían rejas gigantes. Visualmente no le cautivaron. A pesar de ello, hizo unas fotos impresionantes:

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A Celia Martínez le gusta más la parte del edificio Sabatini que la otra más moderna, porque le parece más bonita estéticamente y le hace recordar que era un hospital, lo cual le parece interesante. Lo que más le gusta de esta parte de la fachada y del museo en general son los ascensores de cristal que se añadieron en la ampliación posterior. Rompen con el estilo del edificio totalmente dándole un toque moderno.

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Foto de Marcos Martín

No le gusta la combinación del edificio Sabatini con la del edificio Nouvel. El contraste es  demasiado fuerte entre neoclásico y moderno. Las dos cosas que más le gustan de esta parte del edificio son la plaza que se crea en medio de los dos edificios y los agujeros que hay en el techo para que entre la luz natural a esta misma plaza. Lo que menos es la escultura de Lichtenstein.

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